Adam Lambert

I Don't Care Much

Adam Lambert已完全坐上了主导自己音乐事业的驾驶位。这位音乐传奇凭借其通过个人自主厂牌发行的首张专辑《ADAM》，正式开启了全新篇章。这个极具延展性的音乐项目宛如一个宣告圆满的里程碑时刻，不仅拥抱着他如今作为个体的方方面面，也见证了他人生中的一次重大转变：在洛杉矶生活了二十年后，他正式搬迁到了纽约。伴随着这次搬家，他获得了一种能够静下心来审视自己每一个面向的清明：无论是美好的、混乱的，还是介于两者之间的所有灰色地带。正是这种心态定义了这一音乐时代，让《ADAM》成为了他重新找回自我本质、夺回自我主权的精神宣告。

“当你凝视镜中的自己时，会发生什么？”在谈到这张专辑的创作手法时他说道，“在音乐界，让人们愿意坐下来聆听并对你产生‘第二印象’是一项极为特殊的挑战。所以从很多方面来说，我觉得这张专辑恰好提供了这样一个契机。”

Lambert将这张专辑形容为一场“小小的重生”。他正在按下近期那些极具表演性质工作的暂停键——无论是在皇后乐队（Queen）的巡演中，还是在百老汇音乐剧《歌厅》（Cabaret）里的演出。他正真正迈入一条充满自由与音乐探索的全新创作赛道，在其中他精准捕捉并融入了九十年代的音乐质感，而这种声音甚至与他过去几张专辑相比都堪称一次巨大的颠覆。

在这张新专辑问世之际，Lambert刚刚完成了与皇后乐队长达十年的巡演里程碑，在百老汇音乐剧《歌厅》中与Auli’i Cravalho（饰演Sally Bowles）搭档并完成了为期一年半的“主持人（Emcee）”任期，同时还在好莱坞露天剧场（Hollywood Bowl）与Cynthia Erivo联袂主演了《耶稣基督超级巨星》，在其中饰演“犹大”，贡献了令人惊叹的舞台表现。毫无疑问，所有这些经历都深度影响了他的音乐创作手法。他提到，刚开始加入皇后乐队时，他总觉得需要“超负荷工作，去非常、非常、非常卖力地证明”自己在那个舞台上的位置。但从那以后，他已经调整了自己的表演方式。“我开始意识到‘少即是多’的重要性和有效性，”他补充道，“而且，我还是作为一个主唱说出这句话的！”

在皇后乐队时，他是在向Freddie Mercury致敬；在百老汇，他是在诠释一个角色。而通过《ADAM》，他终于能够在艺术输出和歌曲架构上做到毫无保留、毫无限制，并在音乐中完全拥抱属于自己的真实身份。“我现在想做一些不那么带有表演痕迹的东西，”他表示，“一些更具氛围感、内省、且不那么具有戏剧夸张色彩的作品。”

大约一年前，Lambert与执行制作人Pete Nappi共同打造了这张唱片，并在重新审视了他在2020年专辑《Velvet》之前创作的一些曲目后，开启了这一全新音乐时代。在当时，那些音乐的基调比最终收录在《Velvet》中的作品更加沉重和阴暗，因此选择将它们暂时封存放入保险库是有道理的。这位歌手从九十年代汲取了大量灵感，比如九寸钉乐队（Nine Inch Nails）、波提海德乐队（Portishead），甚至是一些Björk（比约克）的歌曲。其最终呈现出的声音，将失真的电子元素与现场乐器伴奏完美融合在了一起。

Lambert在专辑中全景式地捕捉了完整的自我：贯穿了高潮、低谷，以及那些并不总是容易大声说出口的、介于两者之间的复杂情绪。在整个音乐项目中，他全身心地沉浸于这种坦率之中，让这些情绪的色彩自然流露，无需经过任何过滤。

“你可以一瞬间从英雄变成恶棍。在快乐与折磨、自信与傲慢之间，往往只有一线之隔。吸引与浪漫也可以迅速反转为占有与偏执，”在谈到专辑的主题时他这样说道，“大家都喜欢派对，喜欢纵情狂欢，那确实会非常有趣，但下一秒它也可能变得具有些许毁灭性，让你陷入悲伤。”

Lambert以一首充满活力的摇滚歌曲《Eat U Alive》拉开了这个新时代的序幕，这首歌瞬间将听众带入了贯穿整张唱片的沙砾感与电子声效之中。这是一首能让人跟着节拍疯狂摇头的核心曲目，与整张专辑的能量磁场完美契合。歌曲凭借极具洗脑感、自带电台黄金单曲潜质且能量充沛的副歌脱颖而出，极具亚当·兰伯特标志性的个人风格。

“我记得在90年代末，我变成了一个青少年，随之而来的是青春期的所有焦虑、挣扎适应以及深处柜中的隐秘。所有的这些情绪，都需要音乐来作为宣泄这种能量的出口，”他感叹道，“我认为回过头去重新审视那个时期的歌曲是一件很有意思的事，因为它会勾起某些特定的情感。”

专辑以《Rat City》开篇，这是他去年年底搬到纽约后，为自己开启人生新篇章而创作的一首歌。在这首歌中，他与乐坛新星Isaac Dunbar共同演绎了回到“老鼠之城（Rat City，指代纽约）”的场景，突出了这座他如今称之为家的城市所独有的那种粗粝与沙砾感。“他的声音听起来完全没有在模仿任何人，”Lambert在评价Dunbar时说道，“他就是在做他自己。我已经是他的多年老粉了。”

而在《Necklace》中，他与制作人Slush Puppy合作，打造了一首电子舞曲流行（Electro-dance-pop）曲目，其灵感似乎源自Lady Gaga《Mayhem》时期的那种粗粝质感。“这里面有一点大卫·鲍伊（David Bowie）的影子，也有一点王子（Prince）的风格，”他介绍道。

专辑中还巧妙地隐藏了一个欧陆舞曲（Eurodance）的采样，就放在《Under the Rhythm》的序曲部分，其中融入了ATC乐队的经典作品《Around the World (La La La La La)》的片段，歌词则讲述了如何重新振作并驱散内心的自我怀疑——这是整张专辑的一股核心推动力，精准捕捉了Adam贯穿整个项目的坚韧与生命力。“它传递的信息就是‘破事总会发生，而你必须得想办法继续前行’，”他说道。

这种相同的能量在《Don't Stop Driving》中得到了延续，Lambert在这首歌里探索了亲密关系的动态变化。该曲巧妙地避开了传统的“权力斗争”叙事，而是将焦点放在了他所描述的“在一段关系中交换权力的愉悦感”上。在整首歌中，视角不断切换——从那个“推动体验向前发展的掌控者”，转变为退后一步、任由对方主导的角色。“你是乘客？还是司机？”他问到，并指出虽然这种不确定性有时会“让人困惑和沮丧”，但由于这首曲子完全融入了这种模糊性中“好玩又性感”的一面，所以“一切感觉都棒极了”。

唱片中还收录了一首纯正的、展现教科书级别唱功的抒情大歌《Am I OK》，在其中，他的声线在温柔的钢琴伴奏上空翱翔。这也是专辑中由Adam亲自担任人声制作（Vocal-produce）的歌曲之一。“特别是面对一首如此具有私密性、且人声完全暴露出来的歌曲时，我对它的声音呈现挑剔到了极点，”Lambert解释道，“当你拥有这样一首宛如赤裸的歌曲时，声音的每一个抑扬顿挫和细微差别都变得至关重要。”

纵观整首歌词，他都在反思自己的心理状态，以及不想让自己崩溃失控的情绪，其灵感源于他在前一年结束了一段长达五年的恋情后的真实感受。在这首曲目中，他唱出了长期亲密关系结束后，陪伴孤独而来的寂寞与恐惧。“这是非常具有自传性质且无比真实的，”他吐露道，“与我合作的词曲创作者们都非常愿意为这种情绪保留空间。要这样去深挖内心是很痛苦的，但我们做到了。”这首抒情曲恰好落在了专辑的正中间，作为整张唱片情感最毫无防备、完全暴露的时刻之一，这是Adam刻意安排的编排设计，好让听众在聆听整个项目的过程中能够停下脚步，去静心思考慢下来的意义。

尽管这张专辑的某些部分极具个人私密色彩，但Lambert也分享道，唱片中的一些元素同样带有一种向往感，更像是“我希望自己能够表现出的样子”的一种映射。

“其实在现实生活中，我本人并没有在这些歌曲里听起来的那么大胆，”他咯咯地笑着说，“这其中很多歌曲确实源于真实的互动和真实的情感，但它们更像是存在于我脑海中关于这些故事的某种幻想。”

专辑中还有一个令人意想不到的梦幻联动，那就是与中国先锋唱片歌手刘柏辛（Lexie Liu）合作的歌曲《Porcelain》，两人是在Lambert录制竞演综艺《歌手》（Singer）期间结识的。当他造访中国时，刘柏辛在某种程度上成为了他的翻译，并全程陪同了他的旅程。两人一见如故，当他在创作这首歌时，立刻觉得刘柏辛会是完美的合作人选。在《歌手》节目播出后，他的经典热单《Whataya Want From Me》在当地各大榜单上再度翻红，这让他成功与一群他此前未曾刻意迎合过的中国听众建立了紧密的联结。“我真的很想为他们做点什么，”他说道，于是刘柏辛便加入了这首歌的技术创作。“这首歌风格阴暗、怪异，且绝对受到了九寸钉（NIN）的启发。”

如果从更深层次的视角去聆听，《Porcelain》还隐藏着关于畸形大男子主义（Toxic masculinity）的底层信息，以及他有时在社会压力注视下如何审视自我。“这首歌的核心概念是想说，‘你知道我的心其实像瓷器一样脆弱（Porcelain）’——在所有的虚张声势和硬汉外表之下，你其实无比脆弱，”他感慨道，“我认为，如果这个世界能给‘男性气概的动态多样性’留出更多空间，人们对此的对抗反应或许就不会那么激烈了，你懂吗？”

专辑在《Do You See Me Now?》中落下帷幕，这无疑成为了整张专辑最完美的终极叩问。在毫无保留地倾倒出自己的每一个面向之后，他向听众发问：“在听完这些歌之后，你现在真的看懂我、理解我了吗？”

当《ADAM》播放到尾声，Lambert证明了他不仅是在审视镜中的自己，也终于让全世界看到了最真实的他是谁。这绝非推倒重来——而是Lambert终于完全主宰了自己的故事，并实现了自我升华。在他自主厂牌的旗帜下，他正在无拘无束、毫无过滤地全速奔跑，坦然立于自己的真实之中，并让音乐为他引路。

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