Adam Lambert

EAT U ALIVE (Explicit)

Adam Lambert已完全坐上了主導自己音樂事業的駕駛位。這位音樂傳奇憑藉其通過個人自主廠牌發行的首張專輯《ADAM》，正式開啓了全新篇章。這個極具延展性的音樂項目宛如一個宣告圓滿的里程碑時刻，不僅擁抱着他如今作為個體的方方面面，也見證了他人生中的一次重大轉變：在洛杉磯生活了二十年後，他正式搬遷到了紐約。伴隨着這次搬家，他獲得了一種能夠靜下心來審視自己每一個面向的清明：無論是美好的、混亂的，還是介於兩者之間的所有灰色地帶。正是這種心態定義了這一音樂時代，讓《ADAM》成為了他重新找回自我本質、奪回自我主權的精神宣告。

“當你凝視鏡中的自己時，會發生甚麼？”在談到這張專輯的創作手法時他説道，“在音樂界，讓人們願意坐下來聆聽並對你產生‘第二印象’是一項極為特殊的挑戰。所以從很多方面來説，我覺得這張專輯恰好提供了這樣一個契機。”

Lambert將這張專輯形容為一場“小小的重生”。他正在按下近期那些極具表演性質工作的暫停鍵——無論是在皇后樂隊（Queen）的巡演中，還是在百老匯音樂劇《歌廳》（Cabaret）裏的演出。他正真正邁入一條充滿自由與音樂探索的全新創作賽道，在其中他精準捕捉並融入了九十年代的音樂質感，而這種聲音甚至與他過去幾張專輯相比都堪稱一次巨大的顛覆。

在這張新專輯問世之際，Lambert剛剛完成了與皇后樂隊長達十年的巡演里程碑，在百老匯音樂劇《歌廳》中與Auli’i Cravalho（飾演Sally Bowles）搭檔並完成了為期一年半的“主持人（Emcee）”任期，同時還在好萊塢露天劇場（Hollywood Bowl）與Cynthia Erivo聯袂主演了《耶穌基督超級巨星》，在其中飾演“猶大”，貢獻了令人驚歎的舞台表現。毫無疑問，所有這些經歷都深度影響了他的音樂創作手法。他提到，剛開始加入皇后樂隊時，他總覺得需要“超負荷工作，去非常、非常、非常賣力地證明”自己在那個舞台上的位置。但從那以後，他已經調整了自己的表演方式。“我開始意識到‘少即是多’的重要性和有效性，”他補充道，“而且，我還是作為一個主唱説出這句話的！”

在皇后樂隊時，他是在向Freddie Mercury致敬；在百老匯，他是在詮釋一個角色。而通過《ADAM》，他終於能夠在藝術輸出和歌曲架構上做到毫無保留、毫無限制，並在音樂中完全擁抱屬於自己的真實身份。“我現在想做一些不那麼帶有表演痕跡的東西，”他表示，“一些更具氛圍感、內省、且不那麼具有戲劇誇張色彩的作品。”

大約一年前，Lambert與執行製作人Pete Nappi共同打造了這張唱片，並在重新審視了他在2020年專輯《Velvet》之前創作的一些曲目後，開啓了這一全新音樂時代。在當時，那些音樂的基調比最終收錄在《Velvet》中的作品更加沉重和陰暗，因此選擇將它們暫時封存放入保險庫是有道理的。這位歌手從九十年代汲取了大量靈感，比如九寸釘樂隊（Nine Inch Nails）、波提海德樂隊（Portishead），甚至是一些Björk（比約克）的歌曲。其最終呈現出的聲音，將失真的電子元素與現場樂器伴奏完美融合在了一起。

Lambert在專輯中全景式地捕捉了完整的自我：貫穿了高潮、低谷，以及那些並不總是容易大聲説出口的、介於兩者之間的複雜情緒。在整個音樂項目中，他全身心地沉浸於這種坦率之中，讓這些情緒的色彩自然流露，無需經過任何過濾。

“你可以一瞬間從英雄變成惡棍。在快樂與折磨、自信與傲慢之間，往往只有一線之隔。吸引與浪漫也可以迅速反轉為佔有與偏執，”在談到專輯的主題時他這樣説道，“大家都喜歡派對，喜歡縱情狂歡，那確實會非常有趣，但下一秒它也可能變得具有些許毀滅性，讓你陷入悲傷。”

Lambert以一首充滿活力的搖滾歌曲《Eat U Alive》拉開了這個新時代的序幕，這首歌瞬間將聽眾帶入了貫穿整張唱片的沙礫感與電子聲效之中。這是一首能讓人跟着節拍瘋狂搖頭的核心曲目，與整張專輯的能量磁場完美契合。歌曲憑藉極具洗腦感、自帶電台黃金單曲潛質且能量充沛的副歌脱穎而出，極具亞當·蘭伯特標誌性的個人風格。

“我記得在90年代末，我變成了一個青少年，隨之而來的是青春期的所有焦慮、掙扎適應以及深處櫃中的隱秘。所有的這些情緒，都需要音樂來作為宣泄這種能量的出口，”他感嘆道，“我認為回過頭去重新審視那個時期的歌曲是一件很有意思的事，因為它會勾起某些特定的情感。”

專輯以《Rat City》開篇，這是他去年年底搬到紐約後，為自己開啓人生新篇章而創作的一首歌。在這首歌中，他與樂壇新星Isaac Dunbar共同演繹了回到“老鼠之城（Rat City，指代紐約）”的場景，突出了這座他如今稱之為家的城市所獨有的那種粗糲與沙礫感。“他的聲音聽起來完全沒有在模仿任何人，”Lambert在評價Dunbar時説道，“他就是在做他自己。我已經是他的多年老粉了。”

而在《Necklace》中，他與製作人Slush Puppy合作，打造了一首電子舞曲流行（Electro-dance-pop）曲目，其靈感似乎源自Lady Gaga《Mayhem》時期的那種粗糲質感。“這裏面有一點大衞·鮑伊（David Bowie）的影子，也有一點王子（Prince）的風格，”他介紹道。

專輯中還巧妙地隱藏了一個歐陸舞曲（Eurodance）的採樣，就放在《Under the Rhythm》的序曲部分，其中融入了ATC樂隊的經典作品《Around the World (La La La La La)》的片段，歌詞則講述瞭如何重新振作並驅散內心的自我懷疑——這是整張專輯的一股核心推動力，精準捕捉了Adam貫穿整個項目的堅韌與生命力。“它傳遞的信息就是‘破事總會發生，而你必須得想辦法繼續前行’，”他説道。

這種相同的能量在《Don't Stop Driving》中得到了延續，Lambert在這首歌裏探索了親密關係的動態變化。該曲巧妙地避開了傳統的“權力鬥爭”敍事，而是將焦點放在了他所描述的“在一段關係中交換權力的愉悦感”上。在整首歌中，視角不斷切換——從那個“推動體驗向前發展的掌控者”，轉變為退後一步、任由對方主導的角色。“你是乘客？還是司機？”他問到，並指出雖然這種不確定性有時會“讓人困惑和沮喪”，但由於這首曲子完全融入了這種模糊性中“好玩又性感”的一面，所以“一切感覺都棒極了”。

唱片中還收錄了一首純正的、展現教科書級別唱功的抒情大歌《Am I OK》，在其中，他的聲線在温柔的鋼琴伴奏上空翱翔。這也是專輯中由Adam親自擔任人聲製作（Vocal-produce）的歌曲之一。“特別是面對一首如此具有私密性、且人聲完全暴露出來的歌曲時，我對它的聲音呈現挑剔到了極點，”Lambert解釋道，“當你擁有這樣一首宛如赤裸的歌曲時，聲音的每一個抑揚頓挫和細微差別都變得至關重要。”

縱觀整首歌詞，他都在反思自己的心理狀態，以及不想讓自己崩潰失控的情緒，其靈感源於他在前一年結束了一段長達五年的戀情後的真實感受。在這首曲目中，他唱出了長期親密關係結束後，陪伴孤獨而來的寂寞與恐懼。“這是非常具有自傳性質且無比真實的，”他吐露道，“與我合作的詞曲創作者們都非常願意為這種情緒保留空間。要這樣去深挖內心是很痛苦的，但我們做到了。”這首抒情曲恰好落在了專輯的正中間，作為整張唱片情感最毫無防備、完全暴露的時刻之一，這是Adam刻意安排的編排設計，好讓聽眾在聆聽整個項目的過程中能夠停下腳步，去靜心思考慢下來的意義。

儘管這張專輯的某些部分極具個人私密色彩，但Lambert也分享道，唱片中的一些元素同樣帶有一種嚮往感，更像是“我希望自己能夠表現出的樣子”的一種映射。

“其實在現實生活中，我本人並沒有在這些歌曲裏聽起來的那麼大膽，”他咯咯地笑着説，“這其中很多歌曲確實源於真實的互動和真實的情感，但它們更像是存在於我腦海中關於這些故事的某種幻想。”

專輯中還有一個令人意想不到的夢幻聯動，那就是與中國先鋒唱片歌手劉柏辛（Lexie Liu）合作的歌曲《Porcelain》，兩人是在Lambert錄製競演綜藝《歌手》（Singer）期間結識的。當他造訪中國時，劉柏辛在某種程度上成為了他的翻譯，並全程陪同了他的旅程。兩人一見如故，當他在創作這首歌時，立刻覺得劉柏辛會是完美的合作人選。在《歌手》節目播出後，他的經典熱單《Whataya Want From Me》在當地各大榜單上再度翻紅，這讓他成功與一羣他此前未曾刻意迎合過的中國聽眾建立了緊密的聯結。“我真的很想為他們做點甚麼，”他説道，於是劉柏辛便加入了這首歌的技術創作。“這首歌風格陰暗、怪異，且絕對受到了九寸釘（NIN）的啓發。”

如果從更深層次的視角去聆聽，《Porcelain》還隱藏着關於畸形大男子主義（Toxic masculinity）的底層信息，以及他有時在社會壓力注視下如何審視自我。“這首歌的核心概念是想説，‘你知道我的心其實像瓷器一樣脆弱（Porcelain）’——在所有的虛張聲勢和硬漢外表之下，你其實無比脆弱，”他感慨道，“我認為，如果這個世界能給‘男性氣概的動態多樣性’留出更多空間，人們對此的對抗反應或許就不會那麼激烈了，你懂嗎？”

專輯在《Do You See Me Now?》中落下帷幕，這無疑成為了整張專輯最完美的終極叩問。在毫無保留地傾倒出自己的每一個面向之後，他向聽眾發問：“在聽完這些歌之後，你現在真的看懂我、理解我了嗎？”

當《ADAM》播放到尾聲，Lambert證明了他不僅是在審視鏡中的自己，也終於讓全世界看到了最真實的他是誰。這絕非推倒重來——而是Lambert終於完全主宰了自己的故事，並實現了自我昇華。在他自主廠牌的旗幟下，他正在無拘無束、毫無過濾地全速奔跑，坦然立於自己的真實之中，並讓音樂為他引路。

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